UN ARTISTA INCOMPRENDIDO

Biografía de Vincent Van Gogh – el pintor, el mártir incomprendido del arte moderno

Para quienes conocen algo de la Biografia de Vincent Van Gogh, coincidirán conmigo que la vida y la obra de este gran pintor está tan entrelazada que es casi imposible ver sus pinturas sin leer en ellas la historia de su vida: una vida de la que se hablo tanto que ya se ha convertido en leyenda. Van Gogh es la encarnación del sufrimiento, un mártir incomprendido del arte moderno, el emblema del artista como un extraño.

Recordemos que el primer artículo sobre el pintor fue publicado en enero de 1980 en el Mercure de France. El autor del artículo, Albert Aurier, estuvo en contacto con un amigo de Van Gogh llamado Emile Bernard, por medio del cual se enteró de los detalle de la enfermedad de Vincent. En ese entonces, Van Gogh vivía en un hospital psiquiátrico en Saint- Remy, cerca de Arles.

Segun la Biografia de Vincent Van Gogh, el año anterior, se había cortado el lóbulo de la oreja derecha. No obstante, sin revelar explícitamente estos hechos de la vida del artista. Aurier introdujo su conocimiento de la aparente demencia del pintor en su discusión sobre las pinturas. Así, por ejemplo, utilizaba términos como “pasión obsesiva” y “preocupación persistente”. Según su parecer, Van Gogh era un “genio terrible y demente, a menudo sublime, algunas veces grotesco, siempre al borde de lo patológico”.

El periodista, Aurier consideraba que el pintor era como un “Mesias” quien regeneraría la decrepitud del arte y quizá de la sociedad industrial. Con esta caracterización estableció las bases para el mito Van Gogh que comenzó a surgir poco después de su muerte – Después de todo, Aurier no creía que Van Gogh fuera comprendido alguna vez por el público en general.

Algunos días después del funeral en Auvers-sus-Oise, el doctor Gachet, quien cuido del pintor al final de su vida, le escribió a Theo, hermano de Vincent (quien tras su muerte se ocuparía de buscar el reconocimiento de Van Gogh, cuyas obras en mayor cantidad se encuentran expuestas en el Museo Vincent Van Gogh de Ámsterdam).

“ Éste desdén soberano por la vida, sin duda, resultado de su impetuoso amor por el arte, es extraordinario. (…). Si Vincent aún estuviera vivo, llevaría años y años para que triunfe el arte humano.

No obstante, su muerte es, por así decirlo, el resultado de la lucha entre dos principios opuestos: luz y oscuridad, vida y muerte. En sus cartas, de las cuales han sido publicadas casi setecientas, escribía a menudo sobre su deseo de amor y seguridad:” Me gustaría estar con una mujer para variar, no puedo vivir sin amor, sin una mujer”. Los sueños más burgueses de amor y un hogar de Van Gogh nunca se materializaron.

Lamentablemente, según la Biografia de Vincent Van Gogh, se sabe que no sólo buscó el amor de las mujeres, sino también el de su familia y amigos, aunque nunca lo logró en la medida en la que él hubiese deseado. Varios días antes de su suicidio, resumió su largo fracaso para encontrar una intimidad satisfactoria en el siguiente comentario enigmático: “Como a través de un espejo, por una oscura razón-ha permanecido”.

MUNCH

Pintores famosos; Desde el universo íntimo y personal de Edvard Munch

Nos dedicaremos a conocer algo más de Edvard Much, que fue uno de los pintores famosos más influyentes del arte contemporáneo, y encabezó los cambios en el arte de la pintura en los convulsos años del cambio de siglo.

De personalidad compleja y contradictoria, Much era un artista introspectivo, aunque de carácter afable, que se mostró reticente a los estilos imperantes en la época y se opuso a la aproximación analítica que defendían los impresionistas. Este gran pintor busco una alternativa viable para que el artista lograra dejarse llevar por los dictados de la pasión, guiada por la emoción y la pura expresión personal.

Se dice que, los cánones de la época le quedaban estrechos, pues el era a un pintor que encontraba en su universo más íntimo y personal la fuente de la que fluía su obra, que abarca óleos, acuarelas, pasteles, dibujos, grabados, litografías y xilografías en una carrera de más de 60 años.

Este pintor catalogado como uno de los pintores famosos de su época recurrió a sí mismo y a su entorno familiar para exponer historias no dialogadas de vida y muerte, amor y pérdida, sexo, y dolor, siempre bajo una tensión constante que marcaría, sobre todo, la primera mitad de su producción. El propio Much lo definiría así: “Sin el miedo y la enfermedad mi vida sería como un bote sin remos”.

Y es que Much hijo de un médico militar, el segundo hermano de cinco, fue testigo de la muerte de su madre cuando apenas tenía cinco años; después llegaría la de su hermana. Tanta enfermedad y muerte empujaron a su padre, ya un cristiano devoto, hacia derroteros de fervor mucho más profundos. Según parte de la Biografía de Much, ante la menor travesura de sus hijos los amenazaba con la condenación eterna. El propio pintor fue un niño delicado, y su frágil salud incidió en que abandonara sus estudios de ingeniería y se inclinaría por el arte.

Cierro este artículo con una frase de Edvar Much, con el compromiso de que en próximas entregas juntos conoceremos más de este gran personaje y pintor famoso:

“Desde que nací los ángeles de la anguastia, el desasosiego y la muerte estaban a mi lado (…) me acechaban cuando iba a dormir y me aterrorizaban con la muerte, el infierno y la condenación eterna. A veces me despertaba de noche y miraba alrededor: ¿estaba en el infierno?”.

ARQUITECTURA COMO ARTE

Significado de arquitectura – definición como arte

De modo general y para adentrarnos más en lo que representa el significado de arquitectura y su definición como arte, podríamos decir que la arquitectura es el arte de planear, proyectar, diseñar y construir espacios habitables, y engloba, no sólo la capacidad de diseñar los espacios sino también la ciencia de construir los cvolúmenes necesarios.

Puede decirse que la arquitectura se encarga de modificar y alterar el ambiente físico para satisfacer las necesidades del ser humano. Los arquitectos no sólo se encargan de desarrollar construcciones en función de su forma y utilidad, sino que también siguen preceptos estéticos. Por eso, la arquitectura suele ser considerada como una de las bellas artes.

Así tradicionalmente, la arquitectura ha sido considerada una de las bellas artes. Determinados edificios u otras construcciones son obras de arte ya que pueden ser considerados primariamente en función de su forma o estructura sensible o de su.

Aunque en la actualidad suele considerarse que la principal actividad de la arquitectura va dirigida al diseño de espacios para el refugio y la habitación, sólo a partir del siglo XIX comenzaron los arquitectos a preocuparse por el problema del alojamiento, la habitabilidad y la higiene de las viviendas, y a ampliar su ámbito de actuación más allá de los monumentos y edificios representativos.

De acuerdo al periodo histórico, es posible hablar de distintos tipos de arquitectura. La arquitectura gótica, por ejemplo, tuvo su auge entre el siglo XII y el siglo XV, caracterizándose por la ligereza estructural y la iluminación del interior de los edificios. La arquitectura renacentista (entre los siglos XV y XVI) y la arquitectura barroca (del siglo XVII al XVIII) son algunos de los ejemplos de estilos arquitectónicos.

"EL GRITO" de Edvuard Munch

Pagan 119.9 millones de dólares por “El grito” de Edvard Munch

 La obra del pintor noruego se convierte en la más cara de la historia de las subastas.

    

El grito de Edvard Munch, a subasta

AGENCIAS

Nueva York, miércoles 2 de mayo de 2012.-La única versión en manos privadas de las obra maestra “El Grito” del artista noruego Edvard Munch fue subastada este miércoles por Sotheby’s en Nueva York, anunció la casa de remates.
La única de las cuatro versiones de “El grito” de Edvard Munch que quedaba en manos privadas se vendió hoy en Nueva York en 119,9 millones de dólares (91 millones de euros), cifra récord que supera los 106,5 millones de dólares (81 millones de euros) de “Desnudo, hojas verdes y busto” de Picasso, el máximo histórico alcanzado hasta ahora por un cuadro en una subasta.
Simon Shaw, director de la subasta organizada por la casa Sotheby’s, aseguró a la agencia Efe que la obra del pintor noruego (1863-1944) “define la modernidad y es instantáneamente reconocible, porque es una de las pocas imágenes que trascienden la historia del arte y que tienen un alcance global, quizás sólo detrás de La Mona Lisa”.
“El Grito” de Munch (1863-1944), una de las pinturas más famosas del mundo, encabezará las ventas de arte moderno e impresionista que organiza Sotheby’s, señaló la casa de remates en un comunicado.
La obra es propiedad del empresario noruego Petter Olsen, cuyo padre Thomas fue amigo, vecino y mecenas de Munch.
La pintura de 1895 y es “una de las cuatro versiones de la obra y la única versión aún en manos privadas”, indicó Sotheby’s.
“Dado cuán raros son los verdaderos íconos que llegan al mercado, es difícil predecir el valor de ‘El Grito’. El reciente éxito de obras maestras en Sotheby’s sugiere que el precio podría exceder los 80 millones de dólares”, dijo el vicepresidente de Sotheby’s y titular del departamento de Arte Moderno e Impresionismo, Simon Shaw, al anunciar la venta semanas atrás.
“Reconocible de manera instantánea, esta es una de las pocas imágenes que trasciende la historia del arte y alcanza el inconsciente colectivo. ‘El Grito’ tiene más fuerza hoy en día que cuando fue concebido”, agregó.Superó las expectativas y se convirtió en una de las obras de arte más caras de la historia de las subastas de obras de arte.
La obra, cuyas cuatro versiones fueron pintadas entre 1893 y 1910, muestra a una figura tomándose la cabeza en un momento de angustia y desesperación existencial delante de un paisaje de colores vívidos en un fiordo cerca de Oslo.

LAS PINTURAS MEJOR SUBASTADAS FUERON:

 'El grito' de Edvard Munch y sus ya icónicos 119,9 millones de dólares (91 millones de euros) superan los 106,5 millones de dólares (81 millones de euros) de 'Desnudo, hojas verdes y busto' de Pablo Picasso, el máximo histórico alcanzado hasta ahora por un cuadro en una subasta.
Simon Shaw, director de la subasta organizada por la casa Sotheby's, aseguró a Efe que la obra del pintor noruego (1863-1944) "define la modernidad y es instantáneamente reconocible, porque es una de las pocas imágenes que trascienden la historia del arte y que tienen un alcance global, quizás sólo detrás de 'La Mona Lisa'".
El cuadro pertenecía a Petter Olsen, cuyo padre fue amigo, vecino y empleador de Munch. En ese sentido, Shaw señaló que se trataba de "una oportunidad sin precedentes para comprar una obra de semejante influencia".
Otras obras que despertaron gran interés durante la subasta fueron 'Mujer sentada en una butaca', un retrato de Pablo Picasso en el que el pintor español representó a su musa y amante Dora Maar, vendido en 29,2 millones de dólares (22,2 millones de euros), o 'Primavera necrofílica', de Salvador Dalí, por la que se pagaron 16,3 millones de dólares (12,4 millones de euros).
También 'Cabaña sobre los árboles' de Paul Gauguin, que se vendió por 8,4 millones de dólares (6,4 millones de euros), 'Bañista en taburete rojo' y 'Dos mujeres', ambos de Picasso, en 2,7 millones y 2 millones de dólares (2 millones y 1,5 millones de euros) respectivamente, o el cuadro 'Cabeza humana', de Joan Miró, por el que un comprador anónimo pagó 14,8 millones de dólares (11,25 millones de euros).

ARTE PALEOLITICO "LAS VENUS "

LAS PRIMERAS ESCULTURAS DE LA HISTORIA :Con la denominación genérica de "venus paleolíticas" se conoce a un numeroso grupo de esculturas femeninas de pequeño tamaño, localizadas en diversos yacimientos correspondientes al Paleolítico Superior en Europa (Rusia incluida), realizadas tanto en bulto redondo como en relieve y que supera ya el centenar de ejemplares, dejando a un lado el hecho de que representaciones con el mismo motivo se han encontrado también formando parte de algunos conjuntos de pintura rupestre. Antes que otra cosa, conviene precisar que el término de Venus no alude aquí, lógicamente a ninguna divinidad de la belleza y ni siquiera puede afirmarse que corresponda a una cierta idealización de este concepto.

Venus de Lespugue. Marfil. Hacia 26000/24000 a.C. París.

 Venus de Savignano. Esteatita. ¿25.000 a.C.? Roma.

Cuando se trata de analizar estas figurillas, existen varias cuestiones en las que coinciden plenamente todos los investigadores: no cabe duda de que son representaciones femeninas, cuyos autores han puesto un énfasis especial en recoger con el mayor detalle algunos rasgos anatómicos, fundamentalmente los pechos, las caderas y las nalgas, el vientre e incluso la vulva, lo que podría indicar una clara preferencia por los elementos más visibles de la sexualidad femenina. Al mismo tiempo, en muchas de estas figuras observamos también una exageración de la obesidad concentrada en esas zonas del cuerpo, lo que se ha dado en calificar como esteatopigia, aunque tal palabra no figure en el diccionario de nuestra lengua. Además, frente a la presencia de estos caracteres, la mayoría de estas figuras carece de rostro propiamente dicho (aunque a veces se represente el cabello) y se observa en ella la escasa atención prestada a las extremidades que en algunos casos están sólo indicadas muy escuetamente. Finalmente, en casi todas estas piezas resulta evidente la esquematización de la representación humana, que viene a contrastar enormemente con el elevado naturalismo de las figuras de animales características de la pintura rupestre de la misma época.

Venus de Willendorf. Piedra caliza. 24.000/22.000 a.C. Viena

Dada la amplia extensión geográfica en que se han encontrado estas venus (desde el sur de Francia hasta las estepas siberianas) es obvio que no puede existir un único modelo ni en cuanto a la forma de la figura, ni respecto a su tamaño (oscilan entre los 5 y los 25 centímetros) o la materia prima empleada para realizarlas (piedras de diverso tipo, marfil, hueso, etc.). En todo caso, y pese a la diversidad de modelos existentes, bien pudiera plantearse la existencia de una cierta unidad cultural en el amplísmo territorio en el que se localizan los hallazgos, asociada aquella a la presencia de los Homo Sapiens.

Venus de Brassempouy. Marfil. 26.000/24.000 a.C. París.

Sin embargo, el acuerdo entre los investigadores termina a la hora de dilucidar cuál puede ser el significado que puede atribuirse a estas figurillas. Según unos, cabe entenderlas como primitivas diosas de la fertilidad, teniendo presente lo explícito de los rasgos sexuales femeninos. Partiendo de esta idea, hay quienes las consideran amuletos de uso personal (lo que explicaría la ausencia de pies o de soportes para su colocación en vertical), que podrían asociarse a ideas apotropaicas (propiciadoras de la salud), mientras que otros apuntan a que se trata de una cierta forma de autorretratos (ante lo cual tendríamos que preguntarnos porqué no los hay masculinos). Por último, no falta quien explica su existencia como manifestación del carácter matriarcal de estas sociedades paleolíticas. En el caso de la venus reproducida junto a estas líneas, la presencia de ese cuerno ha llegado a asociarse a la idea de "cuerno de la abundancia", lo que parece poco probable para este tipo de sociedades depredadoras.

Venus de Laussel. Piedra caliza. ¿Hacia 24.000 a.C.? Burdeos.

Casi con toda seguridad jamás sabremos de manera definitiva porqué se realizaron estas diminutas figuras. Pero ahí quedan (junto a las representaciones de algunos animales) como una de las más antiguas muestras de la escultura humana. Magníficos ejemplos del arte mueble de las sociedades cazadoras-recolectoras del Paleolítico Superior que evidencian la posesión por sus autores de ciertas preocupaciones de carácter estético (aunque no exclusivamente) y el avance respecto a una nueva capacidad de la inteligencia humana: la de realizar objetos artísticos en tres dimensiones.

Izquierda: Venus de Gagarino-1. ¿? Piedra. Ucrania.

Derecha: Venus de Dolní Věstonice. Terracota. 29.000/26.000 a.C. Brno, República Checa.