Pensar artisticamente: 2012

lunes, 3 de septiembre de 2012

LA POLIS DE ATENAS - Su reconstrucción en el siglo.V a.c

Atenas reconstruida. from Alfredo García

domingo, 2 de septiembre de 2012

Pintura Griega

La pintura-griega-1194180834908169-5 from nplify802

Cerámica Griega

LA CERÁMICA EN LA GRECIA ANTIGUA from guest562499

Aprender a mirar y a entender el arte

Aprender a mirar a entender el arte from erosano

Mapa conceptual - Evolución de la Escultura Griega

martes, 28 de agosto de 2012

Mapa mental - Actividad sobre Arte Griego:Arquitectura (la polis) , creencias (juegos olímpicos) y los templos griegos

domingo, 26 de agosto de 2012

WEBQUEST - TEMA ARQUITECTURA GRIEGA Y MUCHO MÁS

WEBQUEST ACTIVIDAD :

INTRODUCCIÓN- ¿Nunca se hicieron esta pregunta alguna vez, al observar alguna obra de arte clásica? Es a partir de ella que intentaremos desentrañar que,¿ es el arte clásico?, ¿importa acaso la época, la antigüedad, el canon?

Cuando oímos hablar del arte griego rápidamente recordamos la elegancia de las columnas clásicas o la sensación de serenidad que transmiten las esculturas de atletas y de dioses. Sin embargo, la Historia del Arte nos habla de un período de más de dos mil años en el que los griegos asistieron a diferentes formas de representación de la obra artística. Cambiaron las modas y de cánones de belleza, aparecieron y desaparecieron, ciudades santuarios y reinos que parecían eternos. Pasados los siglos, a pesar de todo, seguimos hablando del 'arte griego', ¿porque?, por que por encima de las diferencias, los artistas tenían un referente muy claro: la búsqueda de la belleza mediante la adecuada utilización de medidas, armonía visual, belleza y proporciones.

Te invito a realizar un viaje desde el presente hacia el pasado que nos llevará a la POLIS de OLIMPIA, cuna de los juegos OLIMPICOS que nos permitirá conocer cómo vivían, sus creencias, concepción de armonía y belleza plasmada en su arte y cultura.

TAREA-

1) En grupo de tres o cuatro alumnos deberán crear un blog para realizar la actividad en él.

2) Cada uno de los tres equipos deberán realizar una de las actividades que se pide en el mapa menta - Observar el video sobre Grecia Antigua para introducirlos en el  arte griego y su historia.

- Utilizar los recursos indicados más adelante para poder realizar la tarea.

- Al finalizar las actividades deberán publicar el links del blog en la plataforma Edmodo.

- Luego la tarea será presentada y desarrollada en forma oral en clase por los integrantes de cada equipo.-

- Tendrán como tiempo estimado para la realización del mismo una semana es decir hasta el 4 de setiembre.

PROCESO:

Ingresar al siguiente mapa mental que indica las actividades a desarrollar cada equipo

RECURSOS:

Sitios y recursos web que deberán consultar:

a)     Blog del docente para acceder a la webquest-http://pensarartisticamente.blogspot.com/

b)    ¿Cómo crear un blog? Tutorial - http://www.slideshare.net/lalunaesmilugar/tutorial-de-blogger?ref=http://www.symbaloo.com/

c)     Symbaloo – con recursos y tutoriales de diferentes herramientas web.2.0 -http://www.symbaloo.com/mix/tutorialesrecursosweb2

d)    Scoop.it – revista digital con selección de material sobre cultura y arte griego –

http://www.scoop.it/t/historia-antigua-arte-griego-romano?page=1

c) Symbaloo – recurso y material de grecia antigua. http://www.symbaloo.com/mix/greciaantigua

EVALUACIÓN:

Se evaluará no solo la exactitud de la respuesta, sino también :

- La construcción del blog , que sea estéticamente correcto acorde a la materia.

- Originalidad del nombre del blog.

- Que sean ordenados a la hora de elaborar y exponer las respuestas y /o análisis, contestando conforme van apareciendo en los apartados anteriores.

- El uso de los recursos seleccionados para las actividades.

- A la hora de la exposición del tema sepan explicarlo, que el trabajo es realmente colaborativo.

- Utilicen sus propias palabras para expresar, que no solo sea copiar y pegar.

- El uso del vocabulario o glosario específico en arte .

- Que comenten aquello que les haya sorprendido, que den su opinión y valoración final tras la realización de cada bloque de tareas.

CONCLUSIÓN:

Una vez realizadas las diferentes actividades se evaluará principalmente el haber logrado no

solo el objetivo de la comprensión de un tema de arte en forma no tradicional a través del uso de

diferentes recursos web 2.0 sino también la combinación creativa que permite el uso de la tecnología y el

trabajo colaborativo.

Arte y recursos web 2.0 , una nueva forma de aprender la historia del arte donde el alumno se involucre en

la búsqueda y actividad creativa. Eso nos permite el uso de las TIC.

Siempre tengamos presente la siguiente reflexión.

La vida no es una tecnología, ni una ciencia. La vida es un arte, has de sentirla. Es como el caminar por una cuerda floja.

Osho

domingo, 22 de julio de 2012

Arte de Teotihuacán

Avenida de los Muertos

La Avenida de los Muertos o Miccaotli, nombre que recibió de los aztecas, es uno de los dos ejes principales de la red urbana de la antigua ciudad de Teotihuacán, a la cual atraviesa de norte a sur. Jalonada por diversas edificaciones a lo largo de sus 2.000 m de longitud, en uno de sus extremos se halla la pirámide de la Luna (desde cuya parte superior está tomada esta fotografía), junto a la del Sol (que se observa al fondo de la imagen) uno de los más representativos monumentos de este centro, ubicado a pocos kilómetros de la ciudad de México.

Arte de Teotihuacán, conjunto de manifestaciones artísticas desarrolladas por la primera gran civilización de la región central de México (200 a.C.-700 d.C.). Su capital, Teotihuacán, situada a 45 km de la actual ciudad de México, se convirtió en la ciudad más importante de Mesoamérica. Las mejoras en las técnicas agrícolas, basadas fundamentalmente en la canalización de las aguas, hicieron posible una gran concentración de población que serviría de sostén económico de la ciudad y de mano de obra para las grandes construcciones públicas. El arte teotihuacano expresa por primera vez de forma grandiosa la concepción estatal mesoamericana que encontraría eco en lugares tan alejados como Monte Albán, El Tajín, Kaminaljuyú o Tikal.

La mayor contribución de Teotihuacán fue establecer las características definitorias de la ciudad sagrada. Toda ella constituye un gran teatro propagandístico donde la escenografía es espectacular y conmovedora. La amplia Avenida de los Muertos con las grandes pirámides del Sol y la Luna constituían un eje monumental, en torno al cual se levantaban construcciones palaciegas y templarias, mientras las áreas habitacionales se situaban en los barrios de las afueras (Atetelco, Tetitla, Tepantitla). Su grandiosidad es tal que cuando varios siglos después los aztecas tuvieron que elegir un lugar para situar la creación del mundo se decidieron por Teotihuacán. Un creciente comercio llevó su influjo hasta los lugares más distantes de Mesoamérica: por el norte hasta los desiertos de Sonora y Sinaloa y, por el sur, hasta Uaxactún y Tikal en las tierras bajas mayas. El resultado fue un enorme crecimiento de los sectores artesanales y un perfeccionamiento técnico de todas las artes como nunca antes se había conocido.

ARQUITECTURA

Pirámide del Sol en Teotihuacán

La pirámide del Sol de Teotihuacán, en México, se erigió entre los años 50 y 200 de la era cristiana. Está construida con adobes recubiertos de piedra y alcanza una altura de 61 metros. Se compone de cinco cuerpos construidos con el sistema de talud y tablero que flanquean una escalera ceremonial que conduce a su cima, donde se alzaba un templo. Está orientada al este, por lo que el sol se pone exactamente frente a ella en el solsticio de verano.

Está estrechamente relacionada con el urbanismo. La planificación urbanística de la ciudad no sólo se encuentra en el centro, sino que toda ella responde a un reticulado muy preciso. Además del eje principal de la ciudad, que corre de norte a sur, la avenida Este (este-oeste) divide el centro en cuatro partes. La ciudad se extiende por 20 km² y debió tener una población de 100.000 habitantes. Alcanzó su mayor auge en la fase Xolalpan (450-650 d.C.) cuya superficie abarcó 24 km² llegando a tener 250.000 habitantes. Las grandes pirámides del Sol y la Luna, el templo del Quetzalpapálotl y la Ciudadela son los elementos más característicos. La pirámide del Sol, que mide 64 m de altura, pesa alrededor de un millón de toneladas y ocupa 45.225 m². El carácter cortesano de las construcciones se pone de manifiesto con la gran importancia que adquiere la Ciudadela. Se trata de una enorme plataforma de 400 m de largo que sostiene pirámides, templos y altares. Al fondo del patio principal se levanta el palacio de Quetzalcóatl, una estructura de seis cuerpos con tablero-talud, que más tarde se ornamentaría con imágenes de los dioses Quetzalcóatl (la Serpiente Emplumada) y Tláloc (dios de la lluvia) y con numerosos elementos marinos y conchas.

La utilización del sistema constructivo tablero/talud para cubrir los edificios alcanzó en Teotihuacán su máxima expresión difundiéndose después por toda Mesoamérica. Los materiales básicos de construcción eran de origen local. Se trituraban las rocas volcánicas de los afloramientos del valle y se mezclaban con tierra y cal para obtener una especie de hormigón resistente a la humedad que se utilizaba en las cimentaciones de los muros, que se hacían de adobe o de piedra sujeta con mortero. Los suelos y el revestimiento de los muros solían acabarse con un revoco que se pulimentaba cuidadosamente. El estilo geométrico y severo manifestado en su planificación y en el revestimiento de sus edificios fue suavizado por los relieves y murales que los cubrían.

Yacimiento arqueológico de Teotihuacán

Contiene los restos de la ciudad más antigua del continente americano, situados en el municipio mexicano de Teotihuacán. La ciudad ocupaba una superficie muy amplia, 21 km², y llegó a estar poblada por 125.000 habitantes. Sus notables monumentos incluyen las pirámides del Sol y de la Luna, unas de las edificaciones más grandes jamás construidas, la Ciudadela, el templo de Quetzalcóatl y la avenida de los Muertos.

Las construcciones neurálgicas de la ciudad eran sagradas. Toda la capital fue concebida como un proyecto sagrado, el centro cósmico donde se creó el mundo que habitamos. Los barrios de las afueras constituían verdaderos conjuntos de apartamentos unifamiliares. Las habitaciones se disponían hacia el patio interior y las paredes exteriores eran altas. Los edificios fueron estucados y pintados de vivos colores, mientras el interior era decorado con murales de gran riqueza técnica y simbólica. Es muy probable que los ocupantes de estos recintos estuvieran relacionados primariamente por lazos de parentesco, pero también por una común especialización artesanal.

En la fase Metepec (650-700 d.C.) se inició la decadencia de la ciudad. Aparecen fortificaciones en algunos lugares y las representaciones de guerreros en los murales se hacen abundantes. La deforestación del área, el estrangulamiento social y, lo más importante, la fuerte presión de poblaciones seminómadas procedentes del norte, dieron al traste con la ciudad en la que se empiezan a detectar vestigios de incursiones bélicas.

ARTE MURAL

Se localiza en los muros de varios palacios situados en el perímetro urbano de la gran metrópoli. Ejemplifica muy bien la concepción sagrada de la ciudad. Las escenas están presididas por figuras de dioses o por sacerdotes ataviados con sus atributos. El más representado es el dios de la lluvia, Tláloc, protagonista de numerosas ceremonias relacionadas con la tierra y la fertilidad. El Tlalocan, o paraíso del dios Tláloc, es el mural más conocido. Situado en el barrio de Tepantitla nos muestra a quienes se hallan en ese paraíso disfrutando felices de los dones de la naturaleza. A mediados del siglo V, y coincidiendo con la expansión de la cultura teotihuacana a otros territorios, los murales se llenan de escenas y motivos militares, con guerreros armados con escudos, dardos y propulsores, jaguares y coyotes comiendo corazones humanos y diferentes signos calendáricos asociados con registros dinásticos. Otros murales en Atetelco, Zacuala o Teopancaxco, arrojan información sobre otros dioses, sobre el calendario, el comercio y las actividades guerreras.

CERÁMICA

Fue uno de los elementos más característicos de la cultura teotihuacana. Una vez cubiertas las piezas por una fina capa de estuco se pintaban sobre ellas temas geométricos y escenas naturalistas que incluían dioses, sacerdotes, jeroglíficos, animales y plantas. El tipo más difundido fue el cilindro trípode con tapadera, decorado con pintura, relieve e incisión. La cerámica llamada ‘naranja fina’ alcanzó una gran difusión utilizándose como elemento de cambio hasta los confines del Imperio.

Coincidiendo con la aparición de escenas militaristas encontramos una cerámica antropomorfa, realizada a molde, que representa hombres desnudos en actitud de movimiento o sentados a la manera oriental. Su rostro es triangular, con deformación craneana, predominando la concepción lineal del cuerpo.

ESCULTURA

No alcanzó entre los teotihuacanos la importancia que tuvo entre pueblos anteriores (olmecas) y posteriores (toltecas y aztecas). En términos generales podríamos decir que se limita a reforzar el mensaje ideológico de las elites. Son geométricas y de apariencia pesada. La pieza más singular es una cariátide utilizada como elemento arquitectónico y asociada con la pirámide de la Luna que parece ser un antecedente de la estatua azteca de la diosa del agua (Chalchiuhtlicue). El marcador de juego de pelota de La Ventilla es el único ejemplo notable que poseemos. Dignos de mención son también las esculturas que sobresalen en los muros del templo de Quetzalcóatl: efigies de Tláloc, serpientes emplumadas, caracolas y conchas.

ARTE LAPIDARIO

Tuvo un gran desarrollo. Se conservan excelentes máscaras realizadas en piedras duras, como el ónice, la diorita y las serpentinas, enriquecidas con mosaicos de coral y obsidiana. Aunque todas las máscaras están descontextualizadas parece que existe un acuerdo respecto a su carácter marcadamente funerario.

El arte teotihuacano sentó las pautas de lo que luego sería el arte mesoamericano. Como sistema de expresión simbólica no tuvo parangón con ningún otro, llevando su influencia a lugares que nunca más volvieron a estar relacionados de forma tan estrecha. Lo imponente de su arquitectura, la gravedad de sus formas y lo delicado de sus artesanías hacen de Teotihuacán la ciudad sagrada por excelencia.

miércoles, 23 de mayo de 2012

UN ARTISTA INCOMPRENDIDO

Biografía de Vincent Van Gogh – el pintor, el mártir incomprendido del arte moderno

Para quienes conocen algo de la Biografia de Vincent Van Gogh, coincidirán conmigo que la vida y la obra de este gran pintor está tan entrelazada que es casi imposible ver sus pinturas sin leer en ellas la historia de su vida: una vida de la que se hablo tanto que ya se ha convertido en leyenda. Van Gogh es la encarnación del sufrimiento, un mártir incomprendido del arte moderno, el emblema del artista como un extraño.

Recordemos que el primer artículo sobre el pintor fue publicado en enero de 1980 en el Mercure de France. El autor del artículo, Albert Aurier, estuvo en contacto con un amigo de Van Gogh llamado Emile Bernard, por medio del cual se enteró de los detalle de la enfermedad de Vincent. En ese entonces, Van Gogh vivía en un hospital psiquiátrico en Saint- Remy, cerca de Arles.

Segun la Biografia de Vincent Van Gogh, el año anterior, se había cortado el lóbulo de la oreja derecha. No obstante, sin revelar explícitamente estos hechos de la vida del artista. Aurier introdujo su conocimiento de la aparente demencia del pintor en su discusión sobre las pinturas. Así, por ejemplo, utilizaba términos como “pasión obsesiva” y “preocupación persistente”. Según su parecer, Van Gogh era un “genio terrible y demente, a menudo sublime, algunas veces grotesco, siempre al borde de lo patológico”.

El periodista, Aurier consideraba que el pintor era como un “Mesias” quien regeneraría la decrepitud del arte y quizá de la sociedad industrial. Con esta caracterización estableció las bases para el mito Van Gogh que comenzó a surgir poco después de su muerte – Después de todo, Aurier no creía que Van Gogh fuera comprendido alguna vez por el público en general.

Algunos días después del funeral en Auvers-sus-Oise, el doctor Gachet, quien cuido del pintor al final de su vida, le escribió a Theo, hermano de Vincent (quien tras su muerte se ocuparía de buscar el reconocimiento de Van Gogh, cuyas obras en mayor cantidad se encuentran expuestas en el Museo Vincent Van Gogh de Ámsterdam).

“ Éste desdén soberano por la vida, sin duda, resultado de su impetuoso amor por el arte, es extraordinario. (…). Si Vincent aún estuviera vivo, llevaría años y años para que triunfe el arte humano.

No obstante, su muerte es, por así decirlo, el resultado de la lucha entre dos principios opuestos: luz y oscuridad, vida y muerte. En sus cartas, de las cuales han sido publicadas casi setecientas, escribía a menudo sobre su deseo de amor y seguridad:” Me gustaría estar con una mujer para variar, no puedo vivir sin amor, sin una mujer”. Los sueños más burgueses de amor y un hogar de Van Gogh nunca se materializaron.

Lamentablemente, según la Biografia de Vincent Van Gogh, se sabe que no sólo buscó el amor de las mujeres, sino también el de su familia y amigos, aunque nunca lo logró en la medida en la que él hubiese deseado. Varios días antes de su suicidio, resumió su largo fracaso para encontrar una intimidad satisfactoria en el siguiente comentario enigmático: “Como a través de un espejo, por una oscura razón-ha permanecido”.

MUNCH

Pintores famosos; Desde el universo íntimo y personal de Edvard Munch

Nos dedicaremos a conocer algo más de Edvard Much, que fue uno de los pintores famosos más influyentes del arte contemporáneo, y encabezó los cambios en el arte de la pintura en los convulsos años del cambio de siglo.

De personalidad compleja y contradictoria, Much era un artista introspectivo, aunque de carácter afable, que se mostró reticente a los estilos imperantes en la época y se opuso a la aproximación analítica que defendían los impresionistas. Este gran pintor busco una alternativa viable para que el artista lograra dejarse llevar por los dictados de la pasión, guiada por la emoción y la pura expresión personal.

Se dice que, los cánones de la época le quedaban estrechos, pues el era a un pintor que encontraba en su universo más íntimo y personal la fuente de la que fluía su obra, que abarca óleos, acuarelas, pasteles, dibujos, grabados, litografías y xilografías en una carrera de más de 60 años.

Este pintor catalogado como uno de los pintores famosos de su época recurrió a sí mismo y a su entorno familiar para exponer historias no dialogadas de vida y muerte, amor y pérdida, sexo, y dolor, siempre bajo una tensión constante que marcaría, sobre todo, la primera mitad de su producción. El propio Much lo definiría así: “Sin el miedo y la enfermedad mi vida sería como un bote sin remos”.

Y es que Much hijo de un médico militar, el segundo hermano de cinco, fue testigo de la muerte de su madre cuando apenas tenía cinco años; después llegaría la de su hermana. Tanta enfermedad y muerte empujaron a su padre, ya un cristiano devoto, hacia derroteros de fervor mucho más profundos. Según parte de la Biografía de Much, ante la menor travesura de sus hijos los amenazaba con la condenación eterna. El propio pintor fue un niño delicado, y su frágil salud incidió en que abandonara sus estudios de ingeniería y se inclinaría por el arte.

Cierro este artículo con una frase de Edvar Much, con el compromiso de que en próximas entregas juntos conoceremos más de este gran personaje y pintor famoso:

“Desde que nací los ángeles de la anguastia, el desasosiego y la muerte estaban a mi lado (…) me acechaban cuando iba a dormir y me aterrorizaban con la muerte, el infierno y la condenación eterna. A veces me despertaba de noche y miraba alrededor: ¿estaba en el infierno?”.

ARQUITECTURA COMO ARTE

Significado de arquitectura – definición como arte

De modo general y para adentrarnos más en lo que representa el significado de arquitectura y su definición como arte, podríamos decir que la arquitectura es el arte de planear, proyectar, diseñar y construir espacios habitables, y engloba, no sólo la capacidad de diseñar los espacios sino también la ciencia de construir los cvolúmenes necesarios.

Puede decirse que la arquitectura se encarga de modificar y alterar el ambiente físico para satisfacer las necesidades del ser humano. Los arquitectos no sólo se encargan de desarrollar construcciones en función de su forma y utilidad, sino que también siguen preceptos estéticos. Por eso, la arquitectura suele ser considerada como una de las bellas artes.

Así tradicionalmente, la arquitectura ha sido considerada una de las bellas artes. Determinados edificios u otras construcciones son obras de arte ya que pueden ser considerados primariamente en función de su forma o estructura sensible o de su.

Aunque en la actualidad suele considerarse que la principal actividad de la arquitectura va dirigida al diseño de espacios para el refugio y la habitación, sólo a partir del siglo XIX comenzaron los arquitectos a preocuparse por el problema del alojamiento, la habitabilidad y la higiene de las viviendas, y a ampliar su ámbito de actuación más allá de los monumentos y edificios representativos.

De acuerdo al periodo histórico, es posible hablar de distintos tipos de arquitectura. La arquitectura gótica, por ejemplo, tuvo su auge entre el siglo XII y el siglo XV, caracterizándose por la ligereza estructural y la iluminación del interior de los edificios. La arquitectura renacentista (entre los siglos XV y XVI) y la arquitectura barroca (del siglo XVII al XVIII) son algunos de los ejemplos de estilos arquitectónicos.

sábado, 12 de mayo de 2012

"EL GRITO" de Edvuard Munch

Pagan 119.9 millones de dólares por “El grito” de Edvard Munch

La obra del pintor noruego se convierte en la más cara de la historia de las subastas.

El grito de Edvard Munch, a subasta

AGENCIAS

Nueva York, miércoles 2 de mayo de 2012.-La única versión en manos privadas de las obra maestra “El Grito” del artista noruego Edvard Munch fue subastada este miércoles por Sotheby’s en Nueva York, anunció la casa de remates.
La única de las cuatro versiones de “El grito” de Edvard Munch que quedaba en manos privadas se vendió hoy en Nueva York en 119,9 millones de dólares (91 millones de euros), cifra récord que supera los 106,5 millones de dólares (81 millones de euros) de “Desnudo, hojas verdes y busto” de Picasso, el máximo histórico alcanzado hasta ahora por un cuadro en una subasta.
Simon Shaw, director de la subasta organizada por la casa Sotheby’s, aseguró a la agencia Efe que la obra del pintor noruego (1863-1944) “define la modernidad y es instantáneamente reconocible, porque es una de las pocas imágenes que trascienden la historia del arte y que tienen un alcance global, quizás sólo detrás de La Mona Lisa”.
“El Grito” de Munch (1863-1944), una de las pinturas más famosas del mundo, encabezará las ventas de arte moderno e impresionista que organiza Sotheby’s, señaló la casa de remates en un comunicado.
La obra es propiedad del empresario noruego Petter Olsen, cuyo padre Thomas fue amigo, vecino y mecenas de Munch.
La pintura de 1895 y es “una de las cuatro versiones de la obra y la única versión aún en manos privadas”, indicó Sotheby’s.
“Dado cuán raros son los verdaderos íconos que llegan al mercado, es difícil predecir el valor de ‘El Grito’. El reciente éxito de obras maestras en Sotheby’s sugiere que el precio podría exceder los 80 millones de dólares”, dijo el vicepresidente de Sotheby’s y titular del departamento de Arte Moderno e Impresionismo, Simon Shaw, al anunciar la venta semanas atrás.
“Reconocible de manera instantánea, esta es una de las pocas imágenes que trasciende la historia del arte y alcanza el inconsciente colectivo. ‘El Grito’ tiene más fuerza hoy en día que cuando fue concebido”, agregó.Superó las expectativas y se convirtió en una de las obras de arte más caras de la historia de las subastas de obras de arte.
La obra, cuyas cuatro versiones fueron pintadas entre 1893 y 1910, muestra a una figura tomándose la cabeza en un momento de angustia y desesperación existencial delante de un paisaje de colores vívidos en un fiordo cerca de Oslo.

LAS PINTURAS MEJOR SUBASTADAS FUERON:

'El grito' de Edvard Munch y sus ya icónicos 119,9 millones de dólares (91 millones de euros) superan los 106,5 millones de dólares (81 millones de euros) de 'Desnudo, hojas verdes y busto' de Pablo Picasso, el máximo histórico alcanzado hasta ahora por un cuadro en una subasta.
Simon Shaw, director de la subasta organizada por la casa Sotheby's, aseguró a Efe que la obra del pintor noruego (1863-1944) "define la modernidad y es instantáneamente reconocible, porque es una de las pocas imágenes que trascienden la historia del arte y que tienen un alcance global, quizás sólo detrás de 'La Mona Lisa'".
El cuadro pertenecía a Petter Olsen, cuyo padre fue amigo, vecino y empleador de Munch. En ese sentido, Shaw señaló que se trataba de "una oportunidad sin precedentes para comprar una obra de semejante influencia".
Otras obras que despertaron gran interés durante la subasta fueron 'Mujer sentada en una butaca', un retrato de Pablo Picasso en el que el pintor español representó a su musa y amante Dora Maar, vendido en 29,2 millones de dólares (22,2 millones de euros), o 'Primavera necrofílica', de Salvador Dalí, por la que se pagaron 16,3 millones de dólares (12,4 millones de euros).
También 'Cabaña sobre los árboles' de Paul Gauguin, que se vendió por 8,4 millones de dólares (6,4 millones de euros), 'Bañista en taburete rojo' y 'Dos mujeres', ambos de Picasso, en 2,7 millones y 2 millones de dólares (2 millones y 1,5 millones de euros) respectivamente, o el cuadro 'Cabeza humana', de Joan Miró, por el que un comprador anónimo pagó 14,8 millones de dólares (11,25 millones de euros).

domingo, 6 de mayo de 2012

ARTE PALEOLITICO "LAS VENUS "

LAS PRIMERAS ESCULTURAS DE LA HISTORIA :Con la denominación genérica de "venus paleolíticas" se conoce a un numeroso grupo de esculturas femeninas de pequeño tamaño, localizadas en diversos yacimientos correspondientes al Paleolítico Superior en Europa (Rusia incluida), realizadas tanto en bulto redondo como en relieve y que supera ya el centenar de ejemplares, dejando a un lado el hecho de que representaciones con el mismo motivo se han encontrado también formando parte de algunos conjuntos de pintura rupestre. Antes que otra cosa, conviene precisar que el término de Venus no alude aquí, lógicamente a ninguna divinidad de la belleza y ni siquiera puede afirmarse que corresponda a una cierta idealización de este concepto.

Venus de Lespugue. Marfil. Hacia 26000/24000 a.C. París.

Venus de Savignano. Esteatita. ¿25.000 a.C.? Roma.

Cuando se trata de analizar estas figurillas, existen varias cuestiones en las que coinciden plenamente todos los investigadores: no cabe duda de que son representaciones femeninas, cuyos autores han puesto un énfasis especial en recoger con el mayor detalle algunos rasgos anatómicos, fundamentalmente los pechos, las caderas y las nalgas, el vientre e incluso la vulva, lo que podría indicar una clara preferencia por los elementos más visibles de la sexualidad femenina. Al mismo tiempo, en muchas de estas figuras observamos también una exageración de la obesidad concentrada en esas zonas del cuerpo, lo que se ha dado en calificar como esteatopigia, aunque tal palabra no figure en el diccionario de nuestra lengua. Además, frente a la presencia de estos caracteres, la mayoría de estas figuras carece de rostro propiamente dicho (aunque a veces se represente el cabello) y se observa en ella la escasa atención prestada a las extremidades que en algunos casos están sólo indicadas muy escuetamente. Finalmente, en casi todas estas piezas resulta evidente la esquematización de la representación humana, que viene a contrastar enormemente con el elevado naturalismo de las figuras de animales características de la pintura rupestre de la misma época.

Venus de Willendorf. Piedra caliza. 24.000/22.000 a.C. Viena

Dada la amplia extensión geográfica en que se han encontrado estas venus (desde el sur de Francia hasta las estepas siberianas) es obvio que no puede existir un único modelo ni en cuanto a la forma de la figura, ni respecto a su tamaño (oscilan entre los 5 y los 25 centímetros) o la materia prima empleada para realizarlas (piedras de diverso tipo, marfil, hueso, etc.). En todo caso, y pese a la diversidad de modelos existentes, bien pudiera plantearse la existencia de una cierta unidad cultural en el amplísmo territorio en el que se localizan los hallazgos, asociada aquella a la presencia de los Homo Sapiens.

Venus de Brassempouy. Marfil. 26.000/24.000 a.C. París.

Sin embargo, el acuerdo entre los investigadores termina a la hora de dilucidar cuál puede ser el significado que puede atribuirse a estas figurillas. Según unos, cabe entenderlas como primitivas diosas de la fertilidad, teniendo presente lo explícito de los rasgos sexuales femeninos. Partiendo de esta idea, hay quienes las consideran amuletos de uso personal (lo que explicaría la ausencia de pies o de soportes para su colocación en vertical), que podrían asociarse a ideas apotropaicas (propiciadoras de la salud), mientras que otros apuntan a que se trata de una cierta forma de autorretratos (ante lo cual tendríamos que preguntarnos porqué no los hay masculinos). Por último, no falta quien explica su existencia como manifestación del carácter matriarcal de estas sociedades paleolíticas. En el caso de la venus reproducida junto a estas líneas, la presencia de ese cuerno ha llegado a asociarse a la idea de "cuerno de la abundancia", lo que parece poco probable para este tipo de sociedades depredadoras.

Venus de Laussel. Piedra caliza. ¿Hacia 24.000 a.C.? Burdeos.

Casi con toda seguridad jamás sabremos de manera definitiva porqué se realizaron estas diminutas figuras. Pero ahí quedan (junto a las representaciones de algunos animales) como una de las más antiguas muestras de la escultura humana. Magníficos ejemplos del arte mueble de las sociedades cazadoras-recolectoras del Paleolítico Superior que evidencian la posesión por sus autores de ciertas preocupaciones de carácter estético (aunque no exclusivamente) y el avance respecto a una nueva capacidad de la inteligencia humana: la de realizar objetos artísticos en tres dimensiones.

Izquierda: Venus de Gagarino-1. ¿? Piedra. Ucrania.

Derecha: Venus de Dolní Věstonice. Terracota. 29.000/26.000 a.C. Brno, República Checa.

FRASES SELECCIONADAS POR MIS ALUMNOS

martes, 23 de octubre de 2012

lunes, 24 de septiembre de 2012

jueves, 6 de septiembre de 2012